现在，我们已经把所有构图元素的都讨论过了（除了光和色彩，它们将是第 5 章和第 6 章的内容）。我们已经把它们作为独立的个体，分别进行了研究，不过我们也有简单地把它们联系着一起讨论。事实上，构图都是这些元素的结合，从而产生了总体的视觉效果。在实际应用中，我们不能分开考虑它们。
在图案中或者图案外，线条会与形状及其他线条相互影响。不同的质地会彼此竞争。从形状中放射出来的线条可以形成平衡或者不平衡感；不同的形状相互联系，可以产生动态、景深和各种图案。影调的变化叠加在线条、形状和质地上，可以产生视觉趣味。
当然，在精心设计的照片中，这些元素（线条、形状等）并不是抽象的，而是真实的事物（树干、面孔、云、建筑、阴影等）好的艺术家可以把现实中的事物当成抽象元素一样联系起来，以观察它们合在一起会不会组成成功的画面。
让我们重新看一下《倒下的杉树》，它对于我来说是一个成功的范例。在拍摄的过程中，我绕着这棵倒下的杉树走了一圈，以选择我的相机位置。在最终确定的位置上，那棵显要的、倾斜的杉树的线条与右下角那丛斜躺着的枝条形成了有效的呼应。这种关系产生了奇妙的动态，并与矗立的巨树上稳定的竖线形成了对比。较明亮的线条（背景中被雾笼罩的树）和右边小枯树（竖直的树干和水平的枝条）的线条产生了变化，并让读者对近处几乎一模一样的竖直树木的影调产生了兴趣。所有这些加起来，组成了让我满意的图像。
本文节选自摄影经典入门教程《摄影的艺术》第三章——构图的元素。《摄影的艺术》（The Art of Photography）是著名摄影师 Bruce Barnbaum 的代表作，被视为摄影学习领域的“圣经级”教材。全书不仅讲技术，更深入探讨摄影的思想、审美与创作哲学，是帮助摄影者从“会拍”迈向“会创作”的重要读物。
该书作者以自己多年专业经验为基础，将摄影视为科学与艺术的融合。他强调，摄影不只是记录，而是表达个人观点；不只是按快门，而是需要对光线、影调、构图、主题与情绪进行深入理解和掌控。
我们任何时候都要把这些构图元素综合起来考虑。对于我来说，摄影的本质（也是所有艺术的本质）在于艺术家创造出来的联系。一个音符是没有意义的，除非它与其他音符结合在一起。节奏、和弦、音色，以及其他音乐特性都必须在音乐作品形成之前加入其中。这对摄影也同样正确。只有一条线，那不是一幅摄影作品，也不是一种质地纹理。平衡或不平衡，意味着至少两个元素之间的关系。当照片中存在联系，当摄影师巧妙地或大胆地把它们表现出来，照片才会升华。
正如各种科学会因为寻求其学科内的（有时是学科外）联系而得到发展，只有当不同的物体和形状被联系起来，以从来没有过的形式展现在读者面前，摄影和其他视觉艺术才会变得最有意思。
这句话无比重要。当照片里面包含了一大堆东西，而彼此之间却没有明显的关系，那它就是失败的。无论你是不是跋涉了十几千米、拼了命才拍到这张照片，只要它没有令人感兴趣的视觉关系，那它就失败了。
很多时候，照片的失败都是因为它只是纯粹的“物体”照片：里面只有一个孤立的物体作为视觉趣味中心。物体与照片中的其他东西没有吸引人的关系，图像中其余的东西只是单纯的背景。这样的照片往往只是对物体的记录，没有内在的联系，它们在艺术性上是失败的，这极少有例外。
即使照片里有一个非常显著的中心主体，如果它能和图像空间里的其他元素巧妙地联系起来，照片就能得到改善。视觉关系可以产生视觉和谐，提升视觉趣味性。大部分摄影师一开始的时候，往往会认为主题对象是高于一切的。而随着时间的过去，他们会变的更老练，他们的重点会更多地转向研究光线、形状和场景中的奇妙关系————即使拍摄的是某种激起他们兴趣的主题对象。
这不是说你应该在影像中避免“物体”之间的关系。场景中物体间的关系是最重要的，但如果他们之间不仅以物体的形式进行联系，而且还存在着线条、形状、颜色、光影等方面的视觉联系，那么它们的表现力会更强。
专注于场景
正如必须考虑各种构图元素的关系，你当然也必须考虑场景中的基本兴趣点。对我来说，如果我完全以构图元素的方式来思考，我或许可以拼凑出一幅构图极佳的作品，但它有怎样的意义呢？很可能什么意义都没有。如果我对主题没有真正的兴趣，那这幅照片也不会让我兴奋。
自然和风景是把我带入摄影的原始吸引力。在职业生涯的初期，我的兴趣开始扩展到建筑物。然后，我会定期地拍摄一些人像，钻研多重影像叠加，尝试支离破碎的立体派图像，研究相片调色和化学染色，它们让我日渐着迷，然而又突然地失去魔力。未来我将往哪里发
展？没有答案。我的主要兴趣，是表现光影和形状的内部联系，创作出视觉动态。我发现最让我高兴的主题是自然和建筑。我自然而然地被这些领域所吸引，我觉得自己在这些领域可以表达出最强烈的效果。但我会努力避免方法上的一成不变，不论拍摄的是什么。
当然，还有一些领域是我从来没有研究过，估计以后也不会研究的，因为我对它们没有兴趣。阿伦·西斯金德 (Aaron Siskind)对墙壁抽象细节的拍摄做得很棒，但不足以打动我，让我也去拍摄。乔·彼得·维特金(Joel-Peter Witkin) 作品中诡异的尸体和松弛的女人让我厌恶。无论我喜不喜欢某个主题，如果没有被它打动，我都不会尝试为它创作有意义的作品。我最多只能创作出漂亮而无意义的构图，就像一场文法完美而空洞无物的演讲。我的照片不会有内在的感染力，我很怀疑它能不能激起其他人的反应。而实际上，它不能！
所有这些，都与第 1 章提出的理念有关，了解你的兴趣，了解自己对这些兴趣有怎样的反应，然后把你的思想通过摄影作品传达出来。除非你发自内心地投入其中，否则你很可能只是在“拍照”，而不是在“创作”。
如果摄影真的是一种非语汇交流（正如这本书的第一句话所说的），那么充分理解摄影主题的最佳方法，就是把它与语汇交流的主题联系起来。想想伟大的演说家，像邱吉尔和马丁·路德·金，他们有着惊人的能力，可以把他们的思想和华丽的词藻结合起来。他们带着说服力、知识和美感来演说，说与他们相关的、占据他们的生活和思想的话题。但要是让他们就长距离游泳作一次演讲，他们恐怕会舌头打结。他们未曾专注于这个主题，对它没有了解，所以也不能说出有意义、有见解和有美感的话来。这对摄影也是如此。如果你对自己所拍摄的题材没有兴趣、投入和理解，你的照片就不会让其他人产生兴趣，因为它们没有表达出任何东西。
在我的工作室里，每当学生们检查自己的作品，我会问他们这些问题：“你试图表达什么？你在这里展示的这幅作品试图向我们说什么？”提出这个问题的原因，是为了让他们表达出自己对主题的感受。实际上，我鼓励学生们更深入地专注于自己的兴趣，因为如果不好好地认识自己，你就只能一直为你拍摄的主题而摸索。你只能制造出很少的趣味，除非你找到了自己感兴趣的领域。
规则、程式化以及其他问题和缺点
在结束这章之前，我想分析一些可以破坏整幅作品的缺点。首先，是最严重的缺点，那就是在构图中寻找或遵守“规则”。规则是愚蠢、武断、无知的东西，它可以很快地把你提高到一个庸才的水平，然后阻止你继续进步。一些最著名的规则———1/3 定律、避免在图像中间出现水平线的规则、要让图像从左向右看的规则、不要把兴趣中心放在图像正中的规则，以及其他更多——都是无效的、不值一提的约束（大家看看亚当斯的《月出赫尔南德兹》是怎样粉碎这些规则的）。再一次留心爱德华·韦斯顿的话“好的构图就是最强烈的观看方式”。如果你的构图合乎规则，不错！如果它打破了规则，也不错！忘记规则吧，我们要的只是创作好的照片。
与遵循规则相关的，是另一个普遍的缺点：程式化。例如，在光线柔和的阴天，你提高了图像的反差并取得很好的效果，那是不是意味着在光线柔和的晴天也应该提高反差呢？当然不是！它有时候行得通，有时候行不通！如果在蓝天白云的晴天，用红色滤镜可以显著地提高反差，那你是不是每次遇到这种天气都得使用红色滤镜？当然不是！它有时候行得通，有时候行不通！你的目的可能每次都不一样（即使是在类似的环境下），环境的改变可能会迫使你改变方法。避免规则，避免程式化，根据具体的情况分析每次独立的创作吧。
另一个普遍的问题，是不小心把分散注意的区域或物体拍到影像中。作为摄影师，我们往往会非常专注于首要的拍摄对象，而看不到那些闯入画框的干扰物。你是不是经常看到壮观的风景照被左上角的强烈线条或右下角的黄色垃圾之类的东西所破坏？或者在瀑布的下面，一辆大篷车的顶部闯进了照片的下画框？或者在你的亲友的照片中，远处的树干或电线杆仿佛从他头上长出来一般？
只要在按快门前花几秒钟时间分析一下构图，这些讨厌的问题都是可以避免的。用你的视线扫视一下图像的四边，看看有没有会把视线引出重点区域的干扰物。我曾经把这称为“巡视边境”。看看取景器或毛玻璃的边角位置是否有强烈的反差或明亮的物体，这些东西或许会分散视线。你或许可以把它们裁掉，或在印相的时候把它们处理掉，但你应该在曝光的时候就注意它们。很多时候，只要把相机向左右上下转一两度，就可以避免这些问题。
仔细分析一下整个画面，看看有百分之几是有视觉趣味的。如果画面中有不必要的或者干扰性的成分，你应该把它完全去掉，或者至少降低它们的显著性。如果你无法减轻这些干扰，那就好好观赏风景吧，然后在脑海中拍下一幅“精神影像”就可以了。你可能会被远处的一座山峰的雪顶所吸引，但它可能远在约 50 千米之外，即使你最长的镜头，也会把太多的前景拍进去。你可能还是想拍一张，但当你把这张照片展示给其他人（那些没有在拍摄时站在你身边、只能对相片作出评价的人）的时候，他们的反应可能不会如你预料的那么积极，因为你没有把激动人心的东西展现给他们。你给他们看的，只是一片广阔的平地，只不过在远处的山上有个小白点而已。
美好的回忆无论什么时候都比弄砸的照片好！你要约束自己，把相机拿开，不要拍照。无论你使用的是传统相机还是数码相机，都是一样的。为了快捷而按下过多的快门，是最严重缺点之一。这甚至是会上瘾的，但它的生产力却往往很有限。而把相机拿开，一张照片也不拍，确实是最难做到的事情。大部分人似乎一旦离开相机，就会有一种无法克制的拍摄需要，就像药物成瘾一样。如果还没按下顶上那个小按钮，就让他们把相机拿开，他们就会全身发颤。一旦他们按下了，那一切都好了。照片拍得不好也没什么关系，只要拍下了就行！
当然，这并不行。所谓行，是要说出有意义的话，创造出有冲击力和洞察力的影像。全世界每年有数以千万的人在美景之前拍照片，然后把照片那给亲友看。他们会说：“你真的要到那里去看看。”这当然是一句实实在在的话，因为他们的照片什么话也没有说清楚。景色是漂亮的，这可以肯定，但照片却没有拍好。拍摄这些快照的人，都对那些能组成一幅真正的摄影作品的构图元素没有了解。
用浅景深模糊背景物体也是要注意的。当我们用 35mm 相机或数码相机拍摄，应该把光圈值设置到刚刚能看清镜头前有没有一些模糊或看不到的物体，而一旦光圈按照预设值缩小后，这些物体可以变成一种模糊的干扰元素。例如，这种情况可能会出现在森林场景中，镜头前几寸的地方可能会有一根树枝，在 f/2 的设置下它是看不出来的，但在 f/16 的时候就会显得很难看。
人眼只有 3°的清晰视野范围，让我们很容易忽视画框中的远离兴趣主体的干扰物。你必须注意整个图像空间，把读者的注意力引导到重点区域，而不是干扰区域。干扰物往往都是可以在曝光前避免的，而很少是拍摄好了再把它去掉。就像寻找好的构图关系一样，你要
尽量找出这些干扰物，因为它们会暴露出照片的缺陷。所有好的摄影作品都会减少缺陷，同时强化优点；而最好的摄影作品可以把缺陷完全消除。
有时候，简单地裁剪一下最终影像是有必要的。进行数码后期处理或暗房处理的摄影师们会经常裁剪影像，不过很多 35mm 反转片的拍摄者却似乎很抗拒这样的做法。他们有一种深刻的信仰感，认为上帝是以 35mm 画幅的形式创造这个世界的，所以什么东西都不可以亵渎这一神圣的形状。然而如今，一些类似的想法已经有幸被扫描底片进行数码冲印的摄影师克服了，他们似乎更认同对扫描后的图像进行裁剪。这确实是一种进步。如果裁剪可以提高照片的质量，那就裁吧！如果窄长形或正方形的画幅可以提高整体效果，那我们完全没理由避免它们。你甚至会想打破所有规则，把照片裁剪成非长方形的形状！
最后一种被明显误用的构图技巧，是摄影的“画框”技巧。这种误用可以通过举例解释：远处的山脉被设置在画框中间，一个近处的大树干在画框的左边缘向上延伸，它的一根枝条横挂在山峰以上的天上。很多人会觉得这样的构图很有趣。而我确认为很糟糕！
为什么？因为曝光不足成黑色的树干与照片中的其他内容没有任何影调、物体或形状上的关系。如果你单纯地从构图的视角来看待这幅照片，沉重的线条或形状（树干）竖立在一个较明亮的形状（山脉）旁边，两者却没有任何的联系。当然了，树和山都是自然物体，但是整个视野里就只有一棵树，这几乎没可能形成构图关系。即使是换成一根电灯柱，它与山脉的联系也不会比这棵树少。而且，用这根黑色树干把图像切成两块，不会给人任何美学上的愉悦感。很不幸，我们经常可以看到这种对构图技巧的糟糕运用，而且很多人还会接受它，甚至喜欢它。我强烈的劝你避免这么做！
画框效果一般用于创造纵深感和现场感，但是上面说到的那种画框效果，只有在风景中才有意义，在摄影上却毫无意义。它的初衷或许是好的，但它的使用方式却是不正确的。这一个例子完美地说明“观看”和“以摄影的方式观察”之间的区别。
如果作为“画框”的元素与场景有着物体上或影调上的联系，或者两种联系都有，那么，把场景框起来可以很有效果。贯穿在左边缘的树干可以与一片由其他树组成的树林形成对应关系。通过煤矿入口看到的一块被丢弃的采矿机械零件，可以显得很有吸引力，如果不会过于显眼的话。“画框”技巧有很多成功的例子，它们的使用都是合理的。但必须是在“画框”物体与框内其他物体有着构图上的整体性时，才可以使用。我们要用有逻辑联系的元素，而不是那些会破坏构图的物体来统一照片。
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