摄影是一种非语汇性交流，这个理念是一种哲学上的观点。但是这很重要，因为我们都把照片展示给别人看，而且都希望得到对方的回应。这证明了摄影其实就是一种交流形式。
构图以及构图要素的意义是很理论化的。它们的出现都早于摄影。它们是艺术摄影的基础（同时也是所有视觉艺术的基础），所有具有创造力的艺术家都必须了解它们。摄影创作是从视觉化开始的，它包括以下 4 个步骤：
- 以摄影的方式观看和察见（两者有极大的区别）；
- 构图；
- 构思最终扩印的效果；
- 为最终效果制定操作策略。
让我们来分别看看这几个步骤吧，然后再看看一些可供替换的方法。
本文节选自摄影经典入门教程《摄影的艺术》第四章——视觉化。《摄影的艺术》（The Art of Photography）是著名摄影师 Bruce Barnbaum 的代表作，被视为摄影学习领域的“圣经级”教材。全书不仅讲技术，更深入探讨摄影的思想、审美与创作哲学，是帮助摄影者从“会拍”迈向“会创作”的重要读物。
该书作者以自己多年专业经验为基础，将摄影视为科学与艺术的融合。他强调，摄影不只是记录，而是表达个人观点；不只是按快门，而是需要对光线、影调、构图、主题与情绪进行深入理解和掌控。
第一步：以摄影的方式观看和察见
视觉化始于观察和理解——深刻的观察和理解，而不是像我们每天所做的那样随意地看看。我们以一种例行公事的方式来完成每天的工作，这让视觉信息溜进我们眼睛和大脑，然后又溜走。我们不需要看清楚门的每个细节，就可以走进门里，而不会把自己的胳膊撞到门框上。如果我们停下来，用所有时间分析所有视觉信息，那我们会什么都做不了。但当我们谈到摄影师所做的工作时，我们的观察就要全面和投入得多。拍摄的时候，如果我们不仔细分析所有东西，我们就无法创作出任何作品。我们必须寻找那些能组成摄影作品的元素。
这样会导致一个必然的推论：当你寻找拍摄对象时，你会更投入地观察。你和你的眼睛不只是毫无目的地扫视，因为如果你只是随意地到处看看，而没有仔细检视和思考，你就不会看清和了解任何东西。摄影是需要投入地工作的。这项工作始于仔细的观察、分析和思考。然后，你马上就会在曾经忽视过的地方看到一些的东西。当然，当你把这些被“忽视”过的东西放到照片中的时候，你必须把照片创作得足够吸引，让读者愿意停下来看它！让我们面对这个问题吧，如果你的照片也很容易被忽视，就像照片中的的那些东西一样，那你就什么都没创作出来。
你会发现，不仅仔细观察很重要，利用自己的兴趣使看见的东西更有深度和个人意义也很重要。我觉得，两者结合可以让我更好地欣赏周边的事物，让我拍摄出其他方式无法创作的照片。我的经历不是独一无二的，如果你能跟随自己的兴趣来拍摄，你很可能与我类似。
“观看 (looking)”和“察见(seeing)”是很不一样的。往往两个人观看同一样东西，一个人可以察见很多东西，而另一个却可以什么都见不到（当然后者也看到一些东西了，但他却没发现其中的意义）。正如一个经验丰富的侦探在检查犯罪现场的时候可以发现很多常人会忽略的线索，敏感的摄影师也可以察见其他人见不到的构图。见到和见不到的区别，在于洞察力。洞察力是区分侦探和门外汉、伟大摄影师和一般拍摄者的要素。无论何时，只要你对拍摄主题具有深入的理解和洞察力，你的作品就可以更接近主题的本质。而且，当你可以分析清楚自己的爱好领域（例如，什么东西让你兴奋，为什么它会让你兴奋），你就会发现新的摄影领域，或许不是马上就能发现，而是需要经过一定的时间。
当然，有很多东西是不可避免的。我还没认识到一个风景摄影师是不懂地理学、自然史、天气状况和其他与风景有关的东西的。随着时间的增长，人像摄影师可以洞察拍摄的对象，以及掌握如何更有效地拍摄他们。这对其他专业的摄影师也是一样的。看看布列松那些令人惊叹的作品吧，他在各种事件发生的时候是如何观察的，他如何发展出不可思议的能力，可以把那些“决定性瞬间”定格下来的。随着洞察力的增长，你将可以更快地分析场景，判定它们是否值得探究，以及如何达到目标的才是最佳方式。
第二步：构图
一旦决定拍摄，你就要进行视觉化的第二个步骤：构图。在这一步，你会选择相机位置和镜头焦距（见第 2 章和第 3 章）。你需要判断自己所选定的机位能否产生最强烈的效果，是否需要向左右、上下或者前后方向移动几厘米或几步，以增强视觉关系。
研究场景的时候需要考虑以下几点。第一，各种物体之间有怎样的构图关系？它们的整体平衡、正负空间关系、形状和线条的动态和冲击力是怎样的？各种物体的形状是相似，还是明显不同？这些东西可能正是你所要的，但一定要注意你所要的东西也可能与实际条件相反！对于彩色摄影，你需要观察物体的抽象形状、分析它们的色彩关系和构图中的色彩混合作用（在第 6 章有详细论述）。对于黑白摄影，要考虑灰阶影调及其关系。注意影调合并的现象，尤其是那些彩色场景中不容易用肉眼判别的现象。
第二，无论是彩色或黑白摄影，你都要寻找前景和背景中的干扰成分，寻找那些对构图没有改进作用的“死角”。尽量减少或消除这些问题。正如著名美国画家和教育家罗伯特·亨利(Robert Henri) 所说：“视线不应该被引导到什么都看不到的地方。”
第三，预想一下你想在最终效果中得到的反差，看看在现有的环境下是否能取得你所需要的影调。场景和光线的条件往往不会刚好符合你预想。你也许希望某个区域会亮一些，另一个区域则暗一些。这些变化或许是可以达到的。当你站在相机后，如果你注意到了场景中的不足，那么你就可以开始构思在曝光、显影和印相方面的应对方案了。
例如，我在 2009 年第一次踏上了秘鲁之旅，并到访了传说中的马丘比丘印加遗址。虽然我见过很多它的照片，认为自己清楚预想中的风景，然而我却被它的真实所震撼了（或者我应该说它的不真实）。我的第一张照片希望表现出场景梦幻般的特性：重峦叠嶂的群山，隐没在西亚马逊云林的浓雾中。然而，在远处的浓雾里，反差实在是太低了，我必须预想如何在表现出一点印加遗址（只要足以把它们显示在浓雾的背景下就行）的同时提高远处的反差，以此表现出这幻景般的非凡场景。关于如何对胶片或数码拍摄进行正确曝光，以及随后提高反差的技术步骤，将会在第 8 章到第 11 章完整介绍。
分析场景中的光线，看看它当时是怎样的，以及如果完全按你的意图，又应该是怎样的（见第 5 章）。换句话说，它是否强调了你想要强调的东西，是否按你所
需的程度进行了强化？在户外，我们不能控制光线，你要看看不合适的光线条件能否变得合适（例如，天上的云可不可以移动到适当的位置，使光影关系可以改善）。在室内，你可以完全控制光源的位置、类型（如扩散光、直射光、反射光、点光照明、泛光照明、闪光等）和强弱，那你必须把光线调节到最好，以配合你的拍摄意图。
同样，你还要决定用哪些滤镜来改善影像（第 7 章对滤镜有详细讨论）。滤镜是很有价值的工具，在黑白摄影中，它可以改变不同颜色的物体之间的影调平衡。而对于数码摄影，你可以通过 Photoshop 软件的“通道”改变不同物体的关系。当站在相机之后，你要尽量注意如何才能通过以上的方式达到想要的效果，因为这是视觉化的关键部分。对于传统彩色摄影，滤镜可以按照你的需要，保持或改变整个画面色彩平衡。但是，色彩平衡是可以在扩印的时候进行大幅度调整的，无论是传统还是数码摄影。
最后，选择最佳的光圈和快门速度，获取需要的景深，同时保证图像不会模糊。你一定要仔细考虑这两个参数，让你的负片、反转片或数码照片获得正确的曝光。
当你站在照相机后面的时候，上面所有的问题都需要解决。而当离开场景之后，你就再也无法改变相机位置或者光线条件了。你必须在拍摄现场决定各种适当的操作。
第三步：构思最终照片的效果
无论是从这些步骤的标题还是其后的写作内容，我们都可以清楚知道这些步骤是同时进行的，而不是前后进行的。例如，第二步取决于你对最终照片效果的构思，有了构思之后你才可以决定是否需要使用滤镜，或使用怎样的光源，或是否需要提高、降低或保持反差（关于反差控制，参见第 8 章、第 9 章和第 11 章）。
视觉化最难的一部分，似乎就是在观察场景的同时构想最终效果，即如何把场景转变为摄影作品。除非是拍摄桌面模型，否则你基本不可能在相机前创造出场景来，然而你却一直是摄影作品的创造者。场景是三维的，而你的照片是二维的（虽然它是三维空间的映射）。场景是有颜色的，而你的作品或许是黑白的。这样的话，你可能要增加或降低场景原有的反差，可能要压暗或提亮图像中的不同部分。如果拍摄的是彩色照片，你可能需要改变场景的反差、明亮关系、整体颜色与饱和度。
现实场景和你的照片可以有非常大的区别。实际上，这些区别可能比你预想中还大，因为你对场景的反应同样取决于各种非视觉的感官信息————声音、味道、温度、风的轻抚，对周边事物的感觉，以及你的健康状况和精神状况。这些东西都是看不到的，但都对你的反应有所影响。那么，你如何按自己的愿望，把这些感觉都保存下来，转换成 8×10、11×14 或 16×20 画幅的二维图像？老实说，这不可能！照片与场景是非常不一样的，因此，尝试“保存场景”是很愚蠢的。相反，你应该尝试把场景中让你印象深刻的感觉传达出来。
要注意，即使我们的语言，也会把场景和照片之间的显著差异搞混。例如，我们经常一边看照片，一边听到“踢足球那个是我的儿子比利”，或者“那是我们在大峡谷住的小屋”。当然，那不是比利，是比利的照片，那也不是小屋，而是小屋的照片。因此，我们所用的词语会把照片和场景混淆在一起。小心这个陷阱！不要把二者搞混！（如图 4-2 所示，那不是意大利北部的阿尔尼大理石采石场，而是我在 2001 年，按自己的构想给它拍的一张照片。）
我们必须把场景中能被演绎成视觉影像的元素提取出来，让影像传达我们想要的感觉。这包括了前一章讨论过的构图元素，以及在第 1 章讨论过的“了解自己观
点”的元素。把自己对场景的理解和反应结合起来，然后用摄影的工具演绎出来给读者观看，这样，你就也许就可以把自己的真实感受传达出来，甚至可以强化这些感受。
事实证明，大部分人都会坚持“复制”和“忠于”场景。真正的摄影家会超越场景，把场景作为自己的创意或演绎目标的出发点。如果你的目标只是保存自己所见的东西，那你的创造性就会很有限。那些没有观察构图元素或构思最终效果就拍摄的人（或者那些只因为丈夫或妻子说应该拍这张照片而拍照的人），他们都只是在拍快照而已。游客们很少思考光线，或者推断下一小时或明天早上会有什么光线变化。他们很少考虑隐藏在其中的构图元素。通常，拍摄的动力都是因为他们以后都不会再到那个地方了，所以“最好现在就把它拍下来！”这种态度往往会拍出极其沉闷的快照。
我建议你宁愿留下对景色的美好回忆，也不要留下一张坏照片，因为这张照片最终会变成你对景色的回忆。如果你愿意、并渴望超越场景，那么你的创意潜力就是无限的。你不仅可以向观看者展现对你影响很深的东西，而且还可以创造出全新的世界。米诺·怀特(Minor White)说过：“我们拍摄的某种东西原因有两个：它是什么，以及它除此之外还是什么(for what it is, and for what else it is)。”这句话是我们要谨记的。
有创意的摄影师会认识到有些条件还不成熟，不能拍摄出符合期望的照片，即使他们正在观赏最宏伟的场景。亚当斯并不是每次去到约塞米特峡谷都会拍照的，虽然我觉得他每次都会对眼前的景色感到惊奇。只有出现极其非凡的条件，让照片具有“摄影学上的意义”时，他才会拍摄。
第四步：为最终效果设计操作策略
视觉化的最后一个步骤是设计操作策略，以达到最终效果。这包括最佳曝光的确定、反转片、负片或数码拍摄的显像，以及印相的方法。其实，这意味着当你站在相机后（站在场景中），你就要思考如何在传统暗房或数字暗房中印制照片（这方面的资料参见第 8 章）。
首先，“我们正在拍摄的时候就要思考印相的程序”，这样的观点或者会让你觉得很奇怪，甚至觉得不可能。其实，这是非常必要的。你已经完成了很多工作：决定好相机的位置，选好焦距合适的镜头，从设置好的拍摄角度对准场景。为了获取需要的影像，你或者已经把滤镜装在镜头上了。你已经决定好曝光（即光圈和快门速度的组合）以正确地记录影像，你还决定好了如何显影（对黑白胶片）。如果是数码摄影，你或者已经为完整的记录按下了不止一次快门，也就是说你已经想好了如何把它们合并到最终的影像中。因此，剩下的唯一一个抉择，就是如何印相。一旦学会了这么做，你就可以制定出从头到尾的完整策略，以达到最终效果。你将会把整个流程整合在一起，而不是零散地逐个执行。
这就是艺术的创作过程。我们无法想象巴赫、贝多芬、勃拉姆斯或者肖斯塔科维奇会写下一些零散的音符，然后再拼凑成一部作品，而没有对整部作品的完整感觉。同样，我们也无法想象但丁、莎士比亚、狄更斯或马克·吐温在开始编写一本书或一部戏剧时，会对作品的起承转合没有整体概念。米开朗基罗会在没有构思作品的最终效果时开始雕刻大理石吗？你认为伦勃朗、梵高、塞尚、毕加索或奥基芙会在画布上东一处西一处地涂抹吗？还是，你认为他们应该从一开始就对绘画的最终效果了然于心？答案是显而易见的。因此，你也应该以同样的方式，按照心中的完整程序来创作，避免错误的决定让整个过程偏离轨道。
让我来举一些简单的例子来说明传统胶片摄影和数码摄影的创作策略吧。假设你正在观察一处风景，它在高处有鲜明的积云。低处（云下面的风景）是一片低反差的区域，但云却非常明亮。如果你用传统胶片拍摄，而且明白你可以在拍摄的时候压暗云彩，在印相的时候再把它们放亮（即在放大器里增加曝光），那么你在曝光和显影的时候就不需要担心反差的问题了。但如果你只是观察到整个影调范围，而没有考虑到印相的步骤，那你可能会选择降低整体反差来保留云的亮部，这样会造成很糟糕的效果，地面的反差本来就很低，现在就变得更低了。这会让你印制出来的作品显得很脏。那可不是你希望的效果。
当你站在相机之后，并思考如何印相，这种思考就会产生一种反馈作用，帮你决定最佳的曝光和显影。如果使用数码相机，你可能需要多次曝光：一次是为了表现出较暗的地面，其他几次也许是为了表现明亮的云。然后，你可以把这些曝光叠加在一起，然后在电脑里对各个区域的局部曝光进行调整（参见第 11 章）。
如果你在研究构图元素的同时可以提前规划最后的印相效果，那么即使在沉醉于景色的时候，你也可以避免“留念式拍摄”（那些用于告诉别人“我来过这里”的快照）的诱惑；当你从一开始就思考最后的印相，你会大大提高曝光的成功率。没有这样的前瞻性，你就只能单纯地对场景进行曝光，然后期望照片会有好的效果。如果这样能有好效果，那就是你的运气！
记住，你可以控制最后的扩印过程。当知道自己的控制范畴，你察见的就不仅仅是可以转化成好照片的美好风景，还能发掘可演绎出同样好的照片的普通风景。摄影是一种创造性的活动。最后印制出来的相片是你的创作。不要把自己局限于如肉眼所见地保存风景，你要从演绎场景和创造艺术作品（个人表达）的角度来思考。
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