2026 哈苏大师赛获奖作品公布，这 7 组照片为什么能打动评委？

哈苏大师赛是由哈苏发起的全球性摄影赛事，自 2001 年创办以来，一直是摄影圈非常受关注的专业摄影比赛之一。它的特别之处在于，虽然赛事以哈苏命名，但并不限制参赛者使用哈苏相机，也不限制数码、胶片、品牌或画幅；只要作品足够有表达力，就有机会进入评审视野。当然，官方规则也明确排除了无人机、手机和平板电脑拍摄的照片。

今年 5 月，像素工坊已经陆续介绍过 2026 哈苏大师赛的多组入围作品，包括风光、人像、野生动物、青年项目、艺术、建筑等类别。那一批入围作品本身已经足够精彩，而随着完整获奖名单正式公布，我们终于可以从“入围作品”进一步看到“最终获奖作品”到底赢在哪里。

像素工坊做“每日看片”这个系列，并不是为了简单告诉大家哪张照片好看，而是希望通过持续观看优秀作品，训练自己对构图、光线、色彩、叙事和观看方式的敏感度。2026 哈苏大师赛共有 7 个类别：风光、人像、街道、建筑、艺术、野生动物，以及青年项目//21。本届比赛收到超过 36,000 组投稿、合计超过 108,000 张作品，参赛者来自全球 160 多个国家和地区，最终每个类别诞生一位“哈苏大师”。

1. 这届哈苏大师赛，关键词不是“漂亮”，而是“观看方式”

1.1 获奖作品共同指向了更深层的表达

如果只用一个词概括 2026 哈苏大师赛获奖作品，我觉得不是“震撼”，也不是“唯美”，而是“构建”。

哈苏基金会执行董事、专业评审团主席 Kalle Sanner 对本届作品有一个很重要的判断：最具感染力的摄影并不只是记录，而是在重新构建观看方式。换句话说，优秀摄影不只是把现实复制下来，而是通过取景、时机、距离、光线、色彩和叙事关系，让我们重新意识到某个被忽略的问题。

这也是为什么本届 7 组获奖作品看起来题材非常分散：有垃圾填埋场里的牛群，有荒废的北美社区影院，有意大利波河岸边的白杨树，也有夜晚海洋里的幼体生物。但它们最终都不是在展示“我拍到了什么”，而是在追问“我们到底如何看待这个世界”。

1.2 评审维度更接近完整的影像表达

根据官方说明，本届赛事在概念深度、原创性、创意表达和技术能力等维度进行评审，同时公众投票也是整体评审流程的一部分。每个类别各有 10 组作品入围，并最终评出一位获奖者。

这对我们普通摄影爱好者很有启发。很多时候我们讨论照片，容易停留在器材、锐度、色彩、后期风格这些层面，但真正能在国际赛事中走到最后的作品，往往需要同时具备三个层次：第一眼有形式吸引力，第二眼有观看停留感，第三眼有可被反复理解的内容。

2. 艺术组：Yudha Kusuma Putera《Waste Colonialism》

2.1 垃圾场里的牛群，为什么会如此不安

艺术组获奖者是来自印度尼西亚的 Yudha Kusuma Putera，作品为《Waste Colonialism (Sapi-Sapi Piyungan)》。官方介绍中提到，这组作品关注发达国家向发展中国家输出垃圾的问题，也把这种逻辑进一步放回城市内部：垃圾填埋场往往被建在城市边缘，被移出公众视野。在日惹的 Piyungan 垃圾填埋场，拾荒者分拣废品，牛群在垃圾中觅食，而城市垃圾慢慢堆成了另一座“山”。

这组照片第一眼并不一定会让人立刻想到“污染”或“垃圾”。画面中牛群背部层层堆叠，形态密集而有秩序，甚至带有某种抽象构成的美感。但当我们知道它发生在垃圾填埋场，视觉上的“形式美”就会变成一种心理上的不适感。

这正是这组作品厉害的地方：它没有用夸张的灾难画面直接压迫观众，而是通过看似平静的构图，让观众慢慢意识到照片背后的系统性问题。垃圾并没有消失，它只是被转移到了更远、更便宜、更少被看见的地方。

2.2 摄影技法上，关键在“克制”

从摄影观看的角度看，这组作品并没有依赖强烈戏剧性瞬间，而是选择了更克制的观看距离。摄影师拍摄牛群背部的堆叠，让主体形态和周围垃圾景观形成呼应。官方介绍也提到，摄影师并不是为了简单指责某一方，而是邀请观众反思我们制造的垃圾，以及这些垃圾正在塑造怎样的未来。

这类作品对我们最大的提醒是：纪实并不等于把苦难拍得越重越好。有时候，越是冷静、越是没有明确情绪指令的照片，反而越能让观众停留。

3. 建筑组：Kevin Boyle《DaySleeper | Movieland》

3.1 被遗弃的影院，也是一种社区记忆

建筑组获奖者是来自加拿大的 Kevin Boyle，作品为《DaySleeper | Movieland》。摄影师成长于加拿大草原地区，父亲去世后重返故乡，发现许多曾经熟悉的社区空间已经空置、封闭、荒废。官方介绍中提到，他十多年来持续拍摄北美地方社区中被遗弃的建筑，以此向这些曾经承载公共生活的空间致敬。

这组作品拍的是空无一人的建筑，但它真正指向的是“曾经在这里发生过的人”。电影院、礼堂、社区空间，它们并不只是建筑物，而是一代人共同记忆的容器。越是空旷，越容易让我们想象当年这里坐满观众、人声鼎沸的样子。

3.2 用光唤醒空间，而不是记录破败

这组作品在技术上也非常值得看。官方资料提到，Kevin Boyle 使用手电筒逐一照亮建筑的不同部分，再通过后期合成形成一种摄影蒙太奇式的空间肖像。

这不是简单的“废墟摄影”。如果只是拍摄破败，它很容易落入猎奇；但通过逐处布光，建筑被重新赋予了温度。那些已经沉睡的空间在画面里像被轻轻叫醒，冷清、怀旧，却不廉价煽情。

对建筑摄影来说，这是一种很重要的思路：建筑不只是线条、结构和透视，也可以承载时间、情感和社会关系。

4. 风光组：Rohan Reilly《Ephemeral Visions》

风光组获奖者是来自爱尔兰的 Rohan Reilly，作品为《Ephemeral Visions》。官方介绍提到，他的作品受到作曲家训练的影响，常常剥离复杂元素，把画面凝练到质感、色调和静止感之中。他擅长使用长曝光，把流动的水面和变化的天空转化成丝绸般的表面。

这组获奖作品拍摄的是意大利波河沿岸的一排白杨树。它们原本是用于防洪的防护林，并不是传统意义上的“网红机位”或壮丽自然奇观。但在完全平静的水面、柔和的漫射光和长曝光处理下，这片功能性景观被转化成一种近乎超现实的静谧画面。

这组作品最值得普通摄影爱好者学习的一点，是它把“平凡地点”拍出了观看价值。

很多人拍风光，总觉得必须去远方，必须找名山大川，必须遇到极端天气。但 Rohan Reilly 的作品说明，风光摄影的核心未必是地点本身，而是摄影师对时间、天气、重复回访和画面秩序的控制。

树木的重复排列、水面的镜像、低饱和色调、大面积留白，这些元素共同形成了安静、冥想般的气质。它不是让你惊呼“真壮观”，而是让你慢下来，看一会儿，再多看一会儿。

5. 青年项目//21：Panitbhand Paribatra Na Ayudhya《Dwellers of the Night》

5.1 年轻摄影师照亮了夜晚的海洋

青年项目//21 的获奖者是来自泰国的 Panitbhand Paribatra Na Ayudhya，作品为《Dwellers of the Night》。官方介绍中说，他是一位年轻的水下摄影师和潜水员，作品长期关注海洋生命、脆弱生态和支撑它们存在的系统。

这组作品拍摄于菲律宾 Anilao 水域。夜晚，一些远洋生物和幼体海洋生物会从深处迁移上来觅食。摄影师使用慢门捕捉它们优雅的运动轨迹，并通过彩色光源勾勒形态，让这些平时难以被看见的小生命呈现出梦幻、奇异又脆弱的气质。

5.2 黑色背景让主体更像“未知世界的访客”

水下摄影本来就有很高门槛，而这组作品没有把重点放在炫技上。它真正打动人的地方，是把复杂的海洋生态压缩到一个安静、黑暗、几乎没有干扰的观看空间里。

黑色背景让主体从环境中被剥离出来，彩色光源则提供了形态边界和情绪。尤其是官方提到的带状鳗鱼照片，摄影师使用一束扩散的暖光，在主体背后制造出类似日落的氛围，使这个小小的夜行生命带上了舞台感。

这提醒我们，拍小题材不一定要拍得“小”。只要光线、构图和氛围足够明确，微小生命也可以拥有史诗感。

6. 人像组：Svetlana Jovanovic《Otherness》

6.1 双胞胎题材背后的身份问题

人像组获奖者是来自荷兰的 Svetlana Jovanovic，作品为《Otherness》。她有心理学背景，因此她的人像并不只是为了拍出漂亮面孔，而是关注身份认同、自我经验，以及我们如何通过他人的目光理解自己。

这组作品长期拍摄同卵双胞胎，探讨共享身份与个体存在之间的张力。双胞胎长相接近，成长轨迹也常常彼此重叠，但正是在眼神、姿态、表情和身体距离这些细节中，两个独立个体的差异逐渐显现。

6.2 好的人像，不是只拍“像不像”

很多人像摄影容易陷入一个误区：把重点放在脸、服装、妆造和背景上。但《Otherness》真正重要的是关系。

人物之间的距离、镜头前的凝视方式、两张相似面孔之间的细微差异，都在构成一种心理层面的张力。观众看到的不只是“双胞胎”，而是两个既相似又不同的人，正在同一个画面里确认彼此，也确认自己。

这类人像给我们的启发是：人像摄影不只是拍外貌，它也可以拍身份、关系、记忆和自我意识。

7. 街道组：Gosse Bouma《Morning Ritual》

街道组获奖者是来自荷兰的 Gosse Bouma，作品为《Morning Ritual》。官方介绍中提到，他的创作关注在忙碌世界中提供片刻宁静，擅长把城市几何线条与天气、雾气、光线等自然元素结合起来。

这组获奖作品拍摄的是荷兰各地的街头市集。市集是一个非常日常的场景，人们购买食物、短暂停留、交换几句话，然后继续进入各自的生活。摄影师捕捉的并不是戏剧性冲突，而是当代生活中越来越稀缺的真实连接感。

这组作品对街头摄影的启发很明显：街头摄影不一定非要追求戏剧性瞬间，也不一定要拍强烈对比、夸张表情或视觉巧合。Gosse Bouma 的画面更依赖氛围。清晨的蓝色环境、小摊位的暖光、建筑的尺度、雾气与人工光源的融合，共同构成了一种安静但有张力的城市空间。评委也特别提到，这组作品使用色彩并非装饰，而是结构性地组织画面。